Hoile é um colaborador frequente de Steven Wilson, incumbido de todas as capas e artes internas da banda de rock progressivo Porcupine Tree, um dos vários projetos musicais de Wilson, desde o In Absentia e responsável por dirigir o primeiro registro ao vivo do grupo para o DVD Arriving Somewhere… Ele também dirigiu os videoclipes para Fear of a Blank Planet, Normal e Time Flies (clique nos links para assisti-los)

Lasse contribuiu ostensivamente para o primeiro trabalho-solo de Wilson, tendo dirigido o videoclipe para Harmony Korine, provido todo o artwork interno para o livro de 120 páginas que acompanha a edição de luxo do CD e ainda filmado o documentário tematicamente ligado ao álbum, a ser lançado no segundo semestre.

Ele também emprestou seu talento para o grupo de death metal progressivo Opeth ao dirigir um par de vídeos musicais para as canções Porcelain Heart e Burden.

There is a very thin line between an artist and a serial killer.

Desde The Sky Moves Sideways o grupo de rock Porcupine Tree vem se estabelecendo como um dos nomes mais promissores da música contemporânea. A cada release, a banda refinou seu som, aprimorou suas letras e viu seus integrantes se aperfeiçoarem enquanto músicos, o que se traduziu numa nova direção musical a partir de Stupid Dream (1999), em que o esmero técnico de seus compositores resultou num álbum com inegável apelo pop, porém tão complexo e rico em texturas musicais quanto seus trabalhos antecessores, apenas mais condensado e conciso -- inaugurando a chamada segunda fase da banda.

Todavia, o álbum que simboliza essa era não se trata nem do Stupid Dream nem do Lightbulb Sun (2000), e, sim, de In Absentia (2002), em que a maturidade musical conquistada pelo grupo se refletiu na incorporação definitiva de influências diversas que se manifestavam com timidez, mas que, hoje, são indissociáveis ao som da banda.

In Absentia foi composto num período de mudanças: Chris Maitland, baterista do grupo desde o final de 1993, anunciara a sua saída da banda em Fevereiro de 2002, sendo reposto por Gavin Harrinson, a primeira troca de integrantes a ocorrer na história da banda; simultaneamente, o próprio grupo havia a pouco migrado para uma gravadora major; e Steven Wilson, líder/vocalista/guitarrista/pianista/etc da banda, reapaixonara-se pelo heavy metal, impulsionado pelo som de bandas como Opeth e Meshuggah, o que mudou drasticamente a sua forma de compor música.

In absentia is Latin for “in the absence”. In legal use it usually pertains to a defendant’s right to be present in court proceedings in a criminal trial.

Embora todos os álbuns do Porcupine Tree sejam marcados por uma certa coerência de temas -- Stupid Dream, por exemplo, é um álbum introspectivo a respeito de desilusões, tanto a um nível amoroso (“Shave Called Shiver”), quanto social (“Don’t Hate Me”) e político (“A Smart Kid”) -- In Absentia é o primeiro a ser genuinamente conceitual, em que as faixas são tematica e musicalmente conectadas -- nesse caso, a respeito do assassino em série Fred West.

Entre 1967 e 1987, West,  com o suporte de sua segunda esposa, Rosemary Letts, sequestrou, estuprou e matou cerca de dez garotas entre 15 e 30 anos, além de ter espancado até a morte duas de suas filhas do primeiro casamento e abusado sexualmente as do segundo; os restos mortais de suas vítimas foram encontrados enterrados no seu quintal. West suicidou-se na cadeia e Letts foi condenada à prisão perpétua.

O tema é abordado de forma explícita em faixas como Blackest Eyes (a qual narra a infância e os primeiros passos de West como um assassino), The Creator Has a Mastertape (que detalha características de seus homicídios, como o hábito de guardar trófeus e o de amarrar suas vítimas) e Strip the Soul (em que a sua dinâmica familiar  -- assim como aspectos de sua personalidade perturbada -- é evidenciada), e sutilmente em Trains (sobre a sua infância, num ângulo nostálgico) e Heartattack in a LayBy (seu último vislumbre de sanidade, atordoado pelo peso de seus atos e pelo “fervor” que o faz seguir adiante).

The Sound of Muzak, a quarta faixa, é a única que foge à regra, tratando-se de um desabafo do próprio Wilson a respeito da direção que a indústria musical vem tomando. Seu nome alude à gravadora Muzak, que, em meados do século passado, monopolizou o mercado de “músicas de elevador”, sendo, desde então, usada como um termo pejorativo para classificar músicas simplórias e repetitivas.

www.youtube.com/watch?v=1fqoZKyQhXc

Complementando as letras, o instrumental é um dos mais pesados na discografia da banda, flertando frequentemente com o heavy metal, dotado de melodias lascinantes e riffs intensos, porém ainda calcado no rock progressivo que sedimentou a fama do grupo em primeiro lugar, como em Lips of Ashes, em que o mellotron guia a melodia do começo ao fim, ou Weding Nails, que remete à grandiosidade técnica do Dream Theater à época do Scenes From a Memory, quando suas músicas instrumentais tinham uma ambição mais nobre do que a de satisfazer seus próprios egos.

Em suma, In Absentia é um dos melhores álbuns dessa década, representando uma banda no ápice de sua criatividade e a esbanjar talento, que transcende rótulos e se firma no âmago do ouvinte, provocando reações ambivalentes e plurais. Um trabalho fascinante e arrojado que promete ser considerado um clássico do seu tempo no futuro.

Fear of a Blank Planet é o nono álbum de estúdio da banda de rock progressivo transmorfa Porcupine Tree, liderada pelo talentosíssimo Steven Wilson (Insurgentes, Blackfield), além de Gavin Harrison (bateria), Colin Edwin (baixo) e Richard Barbieri (teclados/sintetizadores). Dois guitarristas renomadíssimos da cena progressiva também marcaram presença no projeto: Alex Lifeson e Robert Fripp, respectivamente, das bandas Rush e King Crimson.

Lançado em Abril de 2007, é considerado por muitos o trabalho mais denso, crítico, ambicioso e provocativo da carreira da banda, propondo-se a “dissecar” e discutir os efeitos da cultura moderna sobre a juventude de hoje em suas consequências mais evidentes: apatia, alienação, comodismo, passividade, indiferença; que, por sua vez, acarretam a ausência total de rumo, ideologia e significados. Vidas vazias, um planeta vazio.

O CD abre com a faixa homônima, um épico de 7min30s que nos introduz o protagonista (sim, o álbum é conceitual): um jovem “terminalmente” entediado, constantemente exposto a estímulos visuais (TVs) e sonoros (música), mas nunca reagindo verdadeiramente a nenhum deles; encontra-se cada vez mais “desconectado” das pessoas e do mundo, refugiando-se em jogos eletrônicos e anti-depressivos para escapar da monotonia, ao mesmo tempo que questiona o quão “genuíno” é a si mesmo, e o quanto é resultado das drogas que toma; em suma, se ele realmente está ali.

Já a faixa seguinte, “My Ashes”, mostra o nosso herói (se é que ele pode ser chamado assim) visivelmente amargurado, divagando sobre suas decisões passadas, como, mesmo com todas as desilusões e rejeições, ele “sempre voltava por mais”. Aceitou passivamente ser o bode expiatório de todos os problemas dos seus pais, desperdiçando sua juventudade, em busca de um singelo sinal de afeição, um beijo que o “curaria de sonhar”, que asseguraria o seu retorno apesar de tudo.

No presente, tornou-se um indivíduo recluso que se abriga no seu próprio mundo, cuja inocência, felicidade e sonhos se tornaram uma única massa cinzenta e homogênea, impossível de ser retornada ao que era antes, a derramar sobre memórias de outrora, em visões nostálgicas que lhe remetem a um passado longínquo de felicidade, perdendo-se nas coisas não vistas, não feitas, não sentidas.

A música a seguir, a mais ambiciosa de todo o álbum, com cerca de dezoito minutos, dividida em três atos ou capítulos, cada um a narrar um período distinto na vida do personagem, é a composição mais longa da banda desde The Sky Moves Sideways, de 15 anos atrás: “Anesthetize”.

No primeiro ato, acompanhamos o protagonista num conflito interno entre aquilo que é e o que ele é suposto ser. Realidade versus aparência. Dor genuína versus felicidade fingida. A necessidade de se ‘encaixar’ no status quo regindo as suas ações, sobrepujando a gritaria da sua consciência. O refrão engenhosamente remete ao de Fear of a Blank Planet até certo ponto, quando é subitamente cessado pelo próprio personagem mandando a si mesmo se calar, ser feliz, parar de frescura.

No segundo ato, vemos o personagem se conformar com a ‘normalidade’ imposta a si ao invés de lutar para mudá-la, tornando-se ainda mais disperso, entediado, apático e cogitando o suicídio, enquanto vagueia perdido por shoppings e supermercados como um zumbi, saciando desejos consumistas irrelevantes, perguntando-se no quê, afinal, o dinheiro pode lhe satisfazer. O instrumental emula o estado de espírito do personagem, soando metálico, frio, indiferente e repetitivo (imagine um cover ruim de Meshuggah).

O terceira e último ato é o mais abstrato dos três, propositadamente ambíguo; possivelmente um flashback nostálgico do garoto relembrando os últimos momentos felizes que passou com a sua amada numa praia até ela lhe dar as costas, sendo “roubada” dele, enegrecendo o Sol, ao qual ele esteve até a pouco sorrindo. Também se pode extrair da letra a idéia que ele admira as ondas – a sua efemeridade, encerrada de maneira serena na costa, num processo que se repete ad infinitum.

“Sentimental” retoma o tom sombrio das primeiras músicas, um desabafo que evidencia a insegurança do personagem em encarar o mundo adulto das responsabilidades, preferindo se apegar ao comodismo passageiro da adolescência.Uma criança, taciturna e entendiada, rejeitando o passar dos dias.

www.youtube.com/watch?v=P3ihI_5t9Ws

Em “Way Out of Here”, todos os problemas pessoais e amorosos retratados nas quatro faixas anteriores convergem e explodem, e ele jaz nas trilhas de um trem contemplando o suicídio. Janelas trancadas, cortinas fechadas, pistas disfarçadas, carro descartado. Pronto para fugir e desaparecer.

Essa música foi inspirada no caso real de uma adolescente norte-americana de nome Arielle Daniel, que, em 12 de Novembro de 2005, aos 17 anos, morreu atingida por um trem junto com uma amiga. De notável, há o fato de que ela era uma tremenda fã da banda, e fundadora da página do grupo no MySpace. Ela estava supostamente ouvindo o som deles no seu iPod quando o acidente ocorreu.

A partir de “Sleep Together”, o encerramento, é possível deduzir dois fins possíveis à história, dada a ambiguidade, tanto lírica quanto sonora: em um, o nosso herói, mergulhado nos estágios finais da depressão, emerge decidido a mudar, a apagar todos os traços do seu passado, desligando-se do seu futuro, escapando do seu destino. No outro, é o inverso: desiste, sucumbe à tentação de “dormir para sempre”, deixando todas os seus traumas para trás, fugindo do risco de, mais uma vez, afogar-se em torpor. Por mais dissonantes que soem, a música dá espaço a ambas interpretações.

Steven Wilson começou a sua prolífica carreira musical aos 14 de idade, com a bandas Altamont, ao lado do amigo Simon Vocking. Num período de dois anos, gravaram uma quantidade absurda de material eletrônico, influenciados principalmente pelo som do Tangerine Dream. A partir de 1989 – já tendo passado por outras bandas, como Karma – ele iniciou o que seria seu projeto musical mais bem-sucedido: o Porcupine Tree. À época da sua criação, a banda nada mais era do que um projeto solo dele, um laboratório para as suas experimentações musicais, sem compromisso algum com coerência ou acessibilidade. Nessa condição, lançou dois LPs – Tarquin’s Seaweed Farm e The Nostalgia Factory – e um EP, The Love, Death & Mussolini EP.

Porcupine Tree se tornou efetivamente uma banda apenas em 1993, com o ingresso, como convidados, de Colin Edwin (baixo), Richard Barbieri (efeitos eletrõnicos), Suzanne J. Barbieri (vocais) e Gavin Harrison (bateria). Desde então, a banda se firmou como um dos mais importantes representantes do rock progressivo britânico, mas isso não impediu Wilson de participar de N outros projetos, como Bass Communion, Blackfield, E.M.I, No-Man etc.

Este artigo trata do primeiro projeto solo já lançado sob o seu nome, Insurgentes.

www.youtube.com/watch?v=krtkPF1OpOU

Para a sua gravação, ocorrida ao redor do mundo entre Janeiro e Agosto de 2008, Wilson se cercou de músicos competentes e renomados, tais como Jordan Rudess (tecladista do Dream Theater), Tony Levin (baixista do King Crimson em álbuns como Discipline), Theo Travis (saxofonista/flautista, parceiro a longa data de Steven, tendo colaborado com No-Man, Porcupine Tree e The Tangent), e Gavin Harrison, baterista tanto de Porcupine Tree quanto de King Crimson.

Insurgentes é um amálgama de todas as influências criativas e musicais a que Steven Wilson teve contato, abrangendo desde o post-punk ao trip-hop, passando pelo progressivo, drone, ambient e noise, retomando, portanto, as experimentações do começo de sua carreira – mas, desta vez, de forma bem mais concisa e coerente, graças aos anos de experiência acumulados.

Trabalho eclético, reflexo da sua carreira, que exige do ouvinte uma predisposição incomum para apreciar as músicas, que ora se assemelham com a fúria industrial de Nine Inch Nails, ora com a melancolia sonora do Radiohead, ora com a hipnose osmótica de Massive Attack.

www.youtube.com/watch?v=0KD7_uiVHVw

Quando se pensa em música pop, o que vem à mente? Britney Spears. Linkin Park. Backstreet Boys. Etc. O gênero é visto como um mero produto de consumo, música “fast-food” que consiste de melódias “fáceis” e que visam ao sucesso amplo e imediato, porém efêmero. São artistas passageiros, cujo sucesso é fundamentado não na qualidade das suas música, mas no marketing de suas imagens. Fenômenos hoje; piadas velhas amanhã.

Todavia, esse não é sempre o caso, e Blackfield está ai para provar.

Blackfield trata-se de um side project dos veteranos músicos Steven Wilson e Aviv Geffen. O primeiro é o líder de n bandas diferentes (Porcupine Tree, No-Man, OS.I, Bass Communion), enquanto que o segundo é um controverso pop star israelense. Conheceram-se quando, em 2000, Aviv, fã confesso, convidou Porcupine Tree para tocar em Israel. Os dois logo se amigaram e decidiram trabalhar juntos, inicialmente tendo apenas um EP em vista, mas ambos concordaram que o material era promissor demais e resolveram lançá-lo como um LP.

O primeiro álbum, batizado tal como o próprio nome do projeto, contou, além deles, com a presença de Seffy Efrat, Daniel Salomon e Yirmi Kaplan (baixo, teclado/piano e bateria, respectivamente), todos os três antigos parceiros musicais de Geffen, e com dois bateristas da história do Porcupine Tree: Chris Maitland e Gavin Harrison (para os fãs da banda de rock progressivo, isso, por si só, justifica a audição do álbum, hein?).

Todavia, não espere ouvir algo mais do que remotamente similar ao som do PT. O som de Blackfield é melancólico, emocional, íntimo. As músicas giram em torno de dor, solidão, amargura, cicatrizes emocionais, perda. São atmosféricas e genuinamente tocantes. E, apesar de tudo isso, inegavelmente pegajosas. Os refrões são intensos e brilhantes, e as melodias vocais – destaques na maioria dos projetos dos quais Wilson participa – fazem bonito, expondo com clareza os sentimentos que visa a provocar.

Muitos rotulam o som da banda como sendo art rock, mas, para mim, é meramente um pop muito bem concebido e executado, sem pretensões virtuosísticas, priorizando o poder das melodias em detrimento do quão técnicas/intrincadas elas são.